Collection RHINOSHIED x The Met : un bout d'art en poche, partout avec vous !

Le Met présente plus de 5 000 ans d’art venu du monde entier, à découvrir et à apprécier par toutes et tous. Depuis sa fondation en 1870, le Met s’est toujours voulu plus qu’un simple écrin de chefs-d’œuvre rares et précieux. Chaque jour, l’art prend vie dans ses galeries, expositions et événements, révélant de nouvelles idées et des liens inattendus à travers le temps et les cultures.

Cross a peint ce paysage dans le style néo-impressionniste, qui s’est épanoui principalement en France entre 1886 et 1906. Il applique des touches individuelles de couleur dans des scènes baignées de lumière. Sa pratique évoluant vers l’aquarelle, ses coups de pinceau se sont relâchés et sa palette est devenue plus douce.

Cette composition spectaculaire est devenue une icône de l’art mondial. Hokusai joue habilement avec la perspective pour faire apparaître le plus haut sommet du Japon comme une petite montagne triangulaire nichée dans le creux d’une vague géante. Il s’est rendu célèbre par ses paysages, réalisés à partir d’indigo et de bleu de Prusse importé.

L’un des plus grands paysagistes du Japon, Hiroshige a conçu deux séries extrêmement populaires, dont Cent vues célèbres d’Edo, à laquelle cette œuvre appartient.

Sous les dynasties Ming et Qing en Chine, les fonctionnaires portaient des insignes brodés cousus à l’avant de leur robe. Les oiseaux symbolisaient les grades civils, tandis que les animaux représentaient les grades militaires : chaque espèce correspondant à un rang précis. Symbole d’autorité et de bravoure, le tigre ornait l’insigne d’un commandant supérieur sous les Ming et d’un vice-commandant de régiment sous les Qing.

Ce dragon dynamique (long) se déploie sur un fond doré. Le fil brun-vert de son corps et de sa tête est composé de plumes de paon.

Des formes occidentales furent commandées par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. Les artisans japonais recevaient des modèles en bois, des objets européens ou des dessins à reproduire. Ici, le style japonais kakiemon est utilisé avec brio sur une forme occidentale.

Au début des années 1890, le gouvernement français commande à Renoir un tableau pour le futur musée du Luxembourg, dédié aux artistes vivants. Il choisit pour sujet deux jeunes filles jouant du piano. Conscient de l’importance du projet, Renoir y consacre un soin exceptionnel, peaufinant la composition à travers cinq toiles préparatoires.

Degas peint cette scène ambitieuse en 1874. Elle montre 24 femmes : ballerines et mères, observant une danseuse effectuer une attitude, examinée par le maître de ballet Jules Perrot. Degas a préparé ce tableau par d’innombrables croquis réalisés dans son atelier avec des modèles.

Durant sa convalescence à l’asile de Saint-Rémy, Van Gogh se passionne pour les cyprès. Ce tableau exubérant est l’un de ses plus dynamiques mettant en scène ces arbres majestueux. L’artiste, habituellement très critique envers lui-même, considérait cette œuvre comme l’un de ses meilleurs paysages d’été.

Cette célèbre nature morte, autrefois dans la collection privée de Claude Monet, est considérée comme l’une des plus grandes réussites de Cézanne dans les années 1890. Il est rare que Cézanne peigne des plantes fleuries, souvent trop fragiles pour sa technique minutieuse.

Cette œuvre est un exemple précoce du style géométrique que Mondrian nomme néo-plasticisme. Pour lui, ce style universel repose sur des relations de plans qui peuvent s’étendre au design et à l’architecture.

Voici l’étude finale de Seurat pour sa peinture monumentale de Parisiens en promenade sur une île de la Seine. Ici, les pigments contrastés sont appliqués par petites touches irrégulières, alors que dans la version finale présentée en 1886, Seurat utilise des points plus serrés, une technique baptisée pointillisme. Lui-même préférait le terme divisionnisme, reposant sur la juxtaposition de touches de couleurs pures.

Monet, passionné de jardinage, a patiemment créé le jardin aux nymphéas de Giverny, thème central d’œuvres telles que ce Pont japonais (1899). Ce tableau évocateur est l’un d’une série d’une douzaine représentant la passerelle en bois vue durant l’été 1899.

Monet passe l’été 1867 avec sa famille à Sainte-Adresse, près du Havre. Il y peint cette scène lumineuse de loisir moderne, mettant en scène son père (au chapeau panama) et d’autres proches. En adoptant un point de vue élevé et en juxtaposant terrasse, mer et ciel en trois bandes de couleur, Monet affirme la planéité de la toile, une audace influencée par les estampes japonaises.

Le logotype du Met est un dessin original mêlant empattements classiques et lignes modernes. Fluide, lyrique et distinctif comme une signature manuscrite, ce symbole élégant reflète les 5 000 ans de culture mondiale présentés par le Met, en regardant à la fois vers le passé et vers l’avenir.